北影艺考表演专业浅谈戏剧表演中人物形象的塑造

生活体验是演活人物、塑造成功的舞台形象的基础。舞台上的艺术创造，来自艺术家平日对人物的体验；一个好的演员，必须具备丰富的生活体验、精深的表演技巧、全方位的舞台修养；表演时既要含蓄有要有分寸感。

演员在戏剧表演中，舞台人物的形象塑造是至关重要的环节。结合本院表演专业多年的舞台经验，就演员在人物形象塑造时应把握的几个方面粗谈一些看法。

一、生活体验是塑造人物形象的基础环节

艺术来源于生活，因此，生活体验是演活人物、塑造成功的舞台形象的基础。戏剧演员的表演，有着固定的程式，主要为斯坦尼拉夫斯基表导演体系的表演程式。但是，在实际演出中，有些演员的表演很符合程式规范，却没有鲜活的生命力，被观众贬为“程式化”的表演，其原因在于演员缺乏生活体验，使得表演显得非常僵化。著名表演艺术家、四大名旦之一的荀慧生先生说，“演戏要‘真’，假戏真做，想要把角色演好、演像，首先需要‘心里有’”。荀先生的这一精彩概括，同样也适于其他艺术表演样式。因此，表演中要熟悉角色的经历、身份、思想、性格、容貌、气质，了解人物所处的环境和感情的变化等，要深入揣摩剧情剧理，才能给观众造成真实感，使观众动情。在日常生活中，演员要做有心人，细心的观察生活，积累素材，并将平时的观察体验所得，与所学得表演程式融会贯通，运用到舞台实践中。富有成就的艺术家，总是在丰富自己的阅历和知识，丰富自己的生活经验，发现生活中的细节，加以提炼为典型的特征，并用夸张的艺术手法表现出来。以小品《超生游击队》的表演为例，演员在表演中，为了展示了他们多要子女，预想生出“海南岛”、“吐鲁番”、“少林寺”时的欣慰，甚至自豪；躲避处罚，四处游击中的无奈和苦痛，以及对如此生活的追悔和内心中的自我批判。表演分寸掌握得恰到好处，使艺术的夸张符合逻辑顺序和人物情感的节奏，使观众会心、会意、动情。

在舞台实践中，要善于运用生活体验驾驭表演程式，才能使观众体会到人物的真实感。例如，有的演员表演哭或笑时，说停就停，这就是程式僵化，显得很假，因为生活的笑或哭，是不会说停就停的。还有的演员排出了戏的路子后，下一次就照原样比划表演，不再进入体验了，这就成为机械重复。因此，舞台要求“演戏三分生”，每次表演都要像演生戏一样进行“再体验”，不能光重复戏路子。

想象是戏剧表演的重要手段。但想象更多是基于演员的生活体验，通过丰富的生活体验把舞台动作做得具有真实感。在表演中，如果没有想象力，就不完不成舞台动作和角色的塑造。台上的对手明明是我的同学，怎么可能是我的妻子？这就要依据生活真实想象而且要想更多的背景材料，如他们的感情如何，这家庭如何……想象舞台是一间房子。没了这个想象，眼神会变得很假。想象中觉得这间屋漂亮，那说出赞叹词来的是时候才会逼真。因此，应该使观众从演员的表演中，诱发观众的思索和想象，联想到更多其他的东西，从而使表演达到完美的艺术境界。

另外，舞台上的即兴表演，更需要演员的生活体验和积累。如果演员表演时能够“设身处地”地体验，就可能产生灵感，生发即兴表演。好的演员能在演出中，根据戏剧情节和人物的感情，临场发挥，这样的效果会使舞台更生动、灵活，也更具有真实感。可见，舞台上的艺术创造，来自艺术家平日对人物的体验，这是演员灵感的根基，它包含着戏剧表演的一条特殊规律：体验——灵感——创造。

二、表演技巧是塑造人物形象的关键环节

表演常识告诉我们，生活中的东西不等于艺术上的东西，艺术是从生活中提炼出来的一种最凝练、最典型、最优美的东西，假如戏和生活一模一样的话，还需要艺术吗？表演中，如果太求生活的真实感觉，把现实生活中的端肩、耸肩、摇头晃脑，伸舌、咧嘴等一些动作随便地搬上舞台，那么艺术作品就会失去艺术的美感。表演和生活的有着很强的辩证关系，如果演得不真，就违背生活了，不行；如果真是真了，和生活一点不差，也不行。戏里的‘真’，是艺术的真，‘像’也是艺术的像。好的表演，应该有艺术，又有生活。既要符合人物心情，又要有艺术夸张。所以，演员有了生活体验，还必须用优美的技巧表现出来。

戏剧表演要求演员全身都要会做戏，会做戏才能有戏。这里的“做戏”，就是艺术技巧。例如小品的表演不外乎动作和语言。动作分为外部动作和内部动作，外部动作即形体、肢体动作，内部动作为心理动作。在舞台表演中，如果只有外部动作，就显得假。所有外部动作，都是根据内心的情绪展示出来的。比如，一个人欣喜的时候，总是蹦蹦跳跳的，感到悲伤的时候，还会不会有这种蹦蹦跳跳的动作？情绪不同了，形体动作也就不同了。体现出人物鲜明的形体动作必须经过训练、实践、提炼，表演时才能使规定性的形体动作一气呵成，不着表演痕迹。而语言，在戏剧舞台上是需要一定放大的。舞台的语言和观众是有一定距离的。影视剧的语言，可以比较自然，但是在舞台上就不行了，舞台上的语言是经过艺术加工的。又要小声说话，又要观众听到，这就需要技巧。舞台语言的技巧主要有重音，停顿，语调三个方面。例如试用停顿不同来区分以下这句话的语意：

妈妈说我不对。

1、妈妈说 我不对。——我错了

2、妈妈说我 不对。——我没错

3、妈妈说：“我不对！”——妈妈错了

在整理台词的过程中，就要非常清楚人物所要表达的思想，不要太随便停顿，才能做到准确生动。再如：

无鸡鸭亦可，无鱼肉亦可，青菜一碟足矣。

1、无鸡鸭 亦可，无鱼肉 亦可，青菜一碟 足矣。

2、无鸡 鸭亦可，无鱼 肉亦可，青菜 一碟足矣。

有时候，有意识的停顿可以产生不同的效果。台词要求“抑扬顿挫”，顿就是指停顿。舞台上不能用电视剧的台词方式，否则重音会被忽视。有时强调了重音，又忽略了其他，于是舞台语言不够自然。所谓轻重是在比较中得出来的，在重音的地方要加强，突出，但不要把其他部分弱化。而语调，是人物情绪的展露，在台词上，恰当的语调对角色的塑造会有很大的帮助。

三、全方位的舞台修养是塑造人物形象的重要环节

舞台全方位的修养是塑造人物形象的重要环节。有一位著名的表演艺术家用很朴素的语言，阐述自己表演艺术形成的历程：“先接受传统的演技，把老前辈留下来的这一套表演程式彻底完整地接受下来，学好了，会用了，再与自己的生活体验结合起来，在传承的基础上，在新的生活中提炼创造新的表演程式。我的艺术，只不过是我博采众长，然后加上自己的变化而已。”这几句话有几层意思：第一要彻底完整地继承传统演技。第二要结合自己的“体验”，找到表演对象的生活依据，使形象鲜活。第三是创造新的表演程式，但必须是立足于传统美学规律基础上的创新。

斯坦尼拉夫斯基的一句话：“最好的老师，是自己。”因此，作为呈现艺术载体的演员，其全方位的艺术修养非常重要。当一个剧本呈现在演员面前时，除了导演，演员也需要进行自己的二度创作。演员要在研究剧本，理解人物，明确主题上狠下功夫，要对自己所担任的角色，切磋琢磨，反复推敲，不断加工提高。要认真审视自己的每一个想象，每一个交流，每一句台词，每一个动作，是否源于生活而又高于生活。作为演员，对自己的艺术积累要兼容并蓄、融会贯通，并将其“化”到其扮演的角色的言行笑貌中。

优秀的演员，其艺术实践必定是通过表演一批独特的优秀剧目来体现。作为演员，要具备丰富的文艺修养，对剧本有独特的见解，注重剧本“情通理顺”，挖掘剧本的思想性。一个好的剧本由于演员缺乏生活经验和必要的知识，而演得不通不顺；反之，如果演员的修养较深，则好剧本固然可以演活，略差些的剧本也可以在演员的实践中，给予若干的丰富和补充。

四、表演的含蓄与分寸是塑造人物形象的必要环节

有的演员在表演时，常常会做得“过”，尤其是在戏剧冲突进入高潮时，表演激情往往失去分寸感。老一辈表演艺术家不论饰演哪一类型的角色，在舞台上的动作多么复杂，多么流动活跃，演出时都特别注意分寸，绝不过火。

要锻炼火候，要掌握分寸，一切要从角色内心出发，不能矫柔造作，不能失掉美感。戏剧艺术是处处讲究美感，讲究含蓄的艺术。“乱而不乱，活泼引人，又不能手忙脚乱，眉挑目动，满地乱飞，一切动作都要有尺寸、有目的……即使在奔放之际，也要有收敛的余地”。

同时，防止过火并不是把戏演温，有的演员为了表现人物的稳重，或显示角色的分量，特别放慢表演节奏，使动作节奏不鲜明，情感交流中断，戏演得拖沓，影响人物性格塑造和观众的欣赏兴趣。因此，在戏剧表演中，含蓄不等于温和粗率，活泼不等于泼辣，细致不等于繁琐，端庄不等于痴呆，沉静不等于平板。过则火，欠则温。火候、分量合适，不温不火，适中而止。越是细节之处，越要注意分量。戏剧表演的“火”与“温”往往只在分毫之间，其基本问题在于演员的修养。

一个好的演员，必须具备丰富的生活体验、精深的表演技巧、全方位的舞台修养和含蓄与分寸感的把握，才能使塑造的舞台人物形象丰满、真实、有血有肉，有艺术感染力。