在这篇文章中，我们将为大家系统地讲解一下彩色摄影。可能很多摄影人会问彩色摄影有什么话题讲？的确，彩色摄影早已成为主流，我们的世界充满色彩，大家每天都在拍彩色照片，可能觉得毫不困难，不过想要拍摄精彩的彩色照片，让人眼前一亮，还是要从最基本的彩色摄影知识起步，看看什么是色彩、怎样才能善用颜色、还有色彩和感知的关系等，才能让令你的彩色作品更出色。特别是对于新手，理解了色彩的理论，能够为你省下太多的错误成本。

彩色摄影一直在被忽视

如果我们说彩色摄影一直被忽视了，可能大家觉得说得过重，不过很多在数码时代成长的摄影人，拿起数码相机的一刻，就是拍摄彩色照片，他们眼中看到的也是彩色世界，一切来得多么自然。但是，看到了、拍到了，但不一定拍得好，有经验的风景摄影师明明看见风光如画，还是不肯随意举机，就是因为他们觉得色彩不够完美，即使是蓝天白云，他们也可能觉得饱和度不够、对比不明显，而对初学者来说，就太容易满足从而按下快门了。

中间的差异就是对色彩的认识，如果完全不知道什么是色彩的对比、什么是色彩的感觉、如何突出色彩那往往就是看见什么就拍什么，那就不懂得选择更恰当的时间和机会，寻找更好的角度拍摄更佳的彩色照片。

数码摄影本是黑白

数码摄影本来是黑白？是真的，CMOS或CCD其实不能分辨颜色，他们只能读取光线强弱的数据，所以聪明的科学家在CMSO和CCD上面装上了RGB滤镜，让每个像素只读取R、G、B一种色光的强弱，然后在影像处理芯片中混合出千变万化的色彩。
如果你翻查资料，最早出现的数码相机只能拍摄黑白，那时已经是彩色菲林年代了，但由于CCD和CMOS还没有装上RGB滤镜，所以只能拍黑白，后来才出现彩色数码摄影。

彩色摄影简史

我们的世界充满色彩，但唯一能「真实」地记录我们世界的摄影术却是由黑白开始的，当摄影术于1839年公诸于世时，只能记录光影的明暗，换言之，早期的摄影术只能拍摄黑白影像，但人类根本没有满足于这一种单色(Monochrome)的影像，早在1840年代初就开始有人研究如何记录彩色的影像，在其后的一百年间，多位科学家和摄影家分别就记录及重现彩色影像的技术进行过不同的研究。早期彩色影像的显现了保存效果并不理想，但期间一直都有改良，令完善的彩色摄影终于在二十世纪初得以实现。
苏格兰科学家詹姆斯‧ 麦克威尔(James Clerk Maxwell)于1855年首先提出三色的理论，英国摄影师汤马士‧萨顿(Thomas Sutton)引用这一套理论于1861年造出人类第一幅彩色照片，但当时的彩色影像技术距离能够真正重现真实的色彩还有极远的距离。
到1930年代，美国的柯达(Kodak)及德国的爱克发(Agfa)分别推出更方便的Kodachrome及Agfacolor彩色菲林，才正式令摄影进入现代的彩色摄影世界。到了上世纪八十年代，当人们往摄影店铺购买菲林时，已再没有人会问要黑白的还是要彩色的，因为摄影在那个时候已经全面进入了彩色时代，黑白摄影自此变成摄影艺术家的玩意了。甚至，连极讲求速度的新闻摄影亦已在1980年代中进入彩色年代。可以说，摄影进入数码年代，也就是一个彩色的数码影像年代，仅有极少数摄影家仍坚持以黑白菲林拍摄，或把彩色的数码影像转为黑白影像展示。
虽然时至今日，数码摄影是彻彻底底的彩色摄影世界，拿起任何数码相机一按快门，便可以得到极佳的彩色影像，但由于色彩是极复杂的影像元素，学习摄影若能对色彩多作了解，对利用色彩作艺术的表达或讯息的表现，均十分有用。

1855年

苏格兰科学家詹姆斯‧ 麦克威尔(James Clerk Maxwell)首先提出三色的理论。

上图其实不是彩色摄影，而是在黑白照片上涂上色彩，费利斯‧贝亚托(Felice Beato, 1834－约1907)在1863年到1877年于日本拍摄的照片。

1861年

英国摄影师汤马士‧萨顿(ThomasSutton)引用这三色的理论造出人类第一幅彩色照片。

上图为1861年，麦克斯韦让伦敦大学国王学院的讲师兼摄影师托马斯‧萨顿，为他的试验制作彩色负片。

1907年

法国卢米埃尔(Lumiere)兄弟成功发明第一种商业可行的玻璃片彩色影像技术Autochrome。

乔治‧萧伯纳是一个热爱摄影的人，上图是萧伯纳拍摄科伯恩的人物照片。

1907年

美国的柯达(Kodak)及德国的爱克发(Agfa)分别推出更方便的Kodachrome及Agfacolor彩色菲林。

1938年，威廉姆斯拍摄的菲斯塔威尔陶器照片，当时已经开始出现彩色菲林。

1970-80年代

摄影全面进入了彩色时代，黑白摄影自此变成摄影艺术家的玩意了。

新世纪来临时，数码摄影开始取代菲林摄影，拍摄彩色影像已经是必然的事，黑白影像反而通常由彩色照片去色。

色彩只是电磁波

严格来说，物体本身其实并不存在固定的实质颜色，我们看见物体上的颜色，其实是看到物体表面所反射不同波长的光波，因此，物体的颜色会因为照明的色光而有所变化，例如我们看到绿色的树叶只是因为树叶只能反射绿光，而吸收了光谱中其他的色光；而严冬的雪地会把光谱中大部份色光全部反射，所以我们便能看白皑皑的雪地，反之，黑色的物体则把绝大部份光色吸收，所以就看不见有色彩，题外话，亦由于黑色物体吸引了大量的光，因此，阳光下的黑色物体比白色物体更热。
由于物体的颜色由其反光的情况及照射的光线所决定，因此，若光源的光谱改变了，那么它的颜色也因此会改变。例如，在正午日光下，我们看见的「白纸」是「正常」的白色，但在到了黄昏时看同一页「白纸」，就因为光谱中的波长长了，令色调中的红调重了，「白纸」便会偏橙红色了。

我们之所以看到景物上的颜色，是因为景物表面反射不同波长的光波。

可见光的范围

我们看到的光主要来自太阳，亦即是自然光中的日光，随着时日及天气的变化，我们可以看到不同的偏色的光；原因是白色的日光光线的光谱其实由一系列不同光波的色光所混合而成，当它们经过大气层被折射及反射后就会出现不同的偏色。其实，在雨后的空中出现的彩虹，就是大自然的光线折射，我们就从中可以看到光谱中的连续变化七种主要的色光，即由红、橙、黄、绿、青、蓝及紫。我们利用三镜便可以把光线折射成彩虹色带，不同的色光立现在眼前。

这七种色光其实是一个光波的范围，亦即是人眼所能看到的色光范围，大约由380至780纳米(nm)之间，红色的波长最长，大约由780至620纳米，而人眼可见最短的是紫色，大约介乎430至380纳米之间，超出这两极限分别是红外线(Infrared)及紫外光(Ultraviolet)。虽然我们所见的色光范围，就是这两者之间的范围，但对于摄影而言，特别是数码时代的摄影，我们也不可以忽略红外线及紫外光在摄影创作上的可能性及影像。

色彩因光而存在

彩色其实是一种十分抽象的东西，它可以说是人类的一种「视觉感知」，既不能触摸，也并无固定形态，在物理上，它是光谱中的波段，没有光，就没有色彩，当我们见到色彩时，必定依附在一种被光线照射下的形体上，由于色彩与光有不可分割的关系，在全黑的情形下我们看不到任何东西，也就看不到任何色彩。但这是否意味着只是因为没光而令我们看不到「在黑暗中的色彩」，而色彩本身仍然在黑暗中存在呢？答案是否定的，因为没有光线，色彩也就不存在，色彩因光而存在，不同的色彩，由不同的光波形成，所以没有光也就没有色了。

没有光就没有色彩，光线和色彩是密不可分的关系。

光源对色彩的影响

当光线照射在物体的表面上，会把部份的光波吸收，并反射出其余的，因此我们便看见「该物体的颜色」，但其实我们看到的是该物体所反射的光波。由于物质的反光特性，只能反射出特定的光波，例如红的苹果，只能反射出红光，因此我们在正常的照明下便可以看见红色的苹果，若光源中缺少了红色的光波，这意味着我们只能看到一个黑色的苹果。有传统黑房冲晒经验的摄影人都知道，绿色的物体在红色安全灯照明下，会变为黑色，这是因为该绿色的物体只能反射绿光，而黑房中的红色安全灯缺少了绿色的光波，所以该物体便无从反光，因此变成黑色。
所以，物体能否反射出某种色光，或反射出怎样的色光，亦取决于光源是否含有该范围的光谱，因此，物体显现的颜色是取决于光源及物体双方的物理现象。

物体能否反射出某种色光，或反射出怎样的色光，取决于光源是否含有该范围的光谱。

色彩恒定知觉是什么？

例如在晴朗的正午时份，一切颜色看来尚算正常，但当到了下午二、三时左右，一切东西的颜色看来没有多大的分别，可是实际上色光已有了轻度的改变。
在正午阳光下所看到的白色纸张大概是标准的白色，但到了下午三、四时左右，由于色温降低了，所以阳光其实偏黄，白纸看来应该稍带微黄，但一般人看在眼里，却未必察觉到这一种改变，为什么呢？这是因为人脑会把视网膜产生的色彩讯号和大脑对白纸认知的讯号混合了，我们于是把偏黄了的白纸仍作白纸看待，或大大减低了偏色的感觉，称为「色彩恒定知觉」(Retinex)，由于物体的颜色（我们所能看见的色彩）由投光射光线的光波及它对光的反应（吸收、反射或照透量）来决定，但我们对熟悉物体却有一内向反射的预定色彩，只要偏色相差不太远，但我们的脑袋也会接受它，被它「瞒骗」。
我们可以做一个简单的实验，在阴天的日子，阳光透过厚厚的云层照到大地，色温略高，有点偏蓝，如我们在室内以灯泡照明下阅读好一会，把头向窗外望，会看到极偏蓝的景像，原因是我们习惯了偏暖的色温，把较偏黄的都理解成没有那么黄的淡色，甚至白色，一旦改变到较高的色温，就看到较蓝的画面了，只要持续看一会窗外的环境，偏蓝的情况又会得到改善，没有那么蓝了。

拍摄时被感知瞒骗

我们视觉对色彩的这一种主观性的认知偏差，经常会导致摄影师在拍摄前看错了色彩，或对存在的偏色不能察觉出来，导致拍摄出来的影像带有严重的偏色，例如利用数码相机在绿叶茂盛的树林拍摄人像， 周围都是绿色的一大片，反射出大量绿光，与日光混合照在人脸上，人脸实际上偏绿了，可是这种种偏色在现场的人却不易看得出，因为「色彩恒定知觉」令我们的思想作了适度的调节， 其实对色彩造成一种「错觉」。若即场监看数码相机拍出的影像，便可以看到人像皮肤的偏色情况。无论以往的菲林或现今的数码相机都没有这一种「色彩恒定知觉」，它们对色彩有绝对的洞察力，一丝不苟，可以把「绝对」的色彩记录下来，得出人眼在现场看不出的色彩倾向，所以学习彩色摄影，必须先学会「看色」，凭经验分辨出不同照明下的偏色程序，不要再受惯性的愚弄，以免拍出偏色的照片。

在现实环境不同时间的阳光引致色光改变，但我们可能一点都不察觉。

色彩的错觉

上文提及在红灯下看绿色物体的例子是一个比较极端的情形，若光谱中只是某一部份加强了或减弱了，令色光有了轻度的变化， 那么， 照射到物体上的光本身就带有「偏色」，令其所反射的色彩也有差异，颜色实际上会改变了，但通常人眼不易察觉到这些微妙的轻微偏色，原因是大脑对物体的色彩有既定的感知倾向，亦即是对熟悉的物体或环境有了色彩的错觉。

上里面有说道关于色彩的一些基础理论，我们继续说说关于色彩的一系列科学的分辨方法，从根本去认识色彩！

色彩点样分类

在我们一般的概念中，颜色不单止是红、橙、黄、绿、青、蓝、紫，以至其间的变化，浓一些、淡一些或暗一些与光一些的，都是颜色可能的变化，再加上不同颜色的混合，令色彩可以有无限的变化；除此之外，一般人对颜色的观念还有「黑色」、「白色」以及不同深浅的「灰色」，但在摄影的观念上，黑、白、灰均属中性色，在彩色理论中，黑白及灰属于「无色」。
要掌握色彩在摄影中的作用，要先学会分辨色彩。色彩可以三种属性去作分辨，分别是色相(Hue)、饱和度(Saturation)和明度(Lightness)，这三种属性能把色彩带出不同的变化。

透过颜色轮，我们可以简单了解到颜色分别是由色相(Hue)、饱和度(Saturation)及明度(Lightness)来变化。

我们熟知的是，红色、橙色、黄色等，光波较长的颜色属于「暖」的色调，给人温暖、热情及活动的感觉。

但也应该知道。

色相 (HUE)

色相(Hue )是指基本彩色，即是红(Red)、洋红(Magenta)、蓝(Blue)、青(Cyan)、绿(Green)、黄(Yellow)之间的循环变化，其间的变化是连续和渐变的，可以利用色相环(Hue Wheel)表示。
在色相环中，正对面的两种色彩之间的关系是互补色，例如红色(Red)对面的青色(Cyan)就是互补色，它们之间有最强烈的对比，摄影的画面上用上对比色就会出现最强的颜色反差；反之，在色相环中邻近的色彩属类似色，在摄影的画面中使用类似或连接的颜色，画面就会显得调和。

饱和度(Saturation)

基本上，单一色彩本身，可以由本身的浓淡度变化出同一调子的不同深浅的颜色。任何色彩可以由最浓的饱和色慢慢淡化至「无色」，变化出不同浓淡的灰色。当色彩最浓烈时，亦即是彩度最高，是极鲜艳的颜色，正常的影像不应有这一种最浓的色彩，色彩一旦超乎正常的饱和度，就是过份饱和，令影像看来极不自然。

明度(Lightness)

除了「色相」及「饱和度」外，色彩的明度变化也可以使色彩看来不同。明度指的是色彩的明暗度或色光照明的强度，当色光的强度较大时，色彩看来会相当明亮；当明度加强，色彩可以由正常变为明亮再变成过曝，色彩就会随之消失而变到白色。但当色光减弱时，原本正常的色彩看来变成暗晦，并于再减弱时变为黑色，要实验这点，可以利用数码相机的曝光补偿作±5EV的曝光，拍摄鲜色的主体看看颜色由正常变黑及变白的情况就可知了。一般商品摄影惯用的由彩色渐变到黑色的背景，便是利用一种颜色不同的明度变化来造成的渐变色的效果。

如何活用色彩？

由于色彩的变化多端而且无阶段，因此色彩的辨别便十分考功夫，但基本上视力正常的人可以在受控制的环境下轻易分辨出光谱中各主要色调，以及黑、白及灰色和其明亮及饱和度的变化。
色彩对人类来说的实际意义可能只是主观感受。

对色彩的盲点

可惜，在变化多端的拍摄环境，人眼极易受到「色彩恒定知觉」的误导，而一般人对色温的微妙变化也不会太在意，加上色彩的喜好与个人经验和潜意识有关，个人对色彩的取向及喜好，有可能影响摄影上的表现，所以作为摄影人，我们必须剔除内心对色彩的偏颇，并依据不同的实况评估出不同的色彩误差。例如在钨丝灯下拍摄，眼见的「白色物体」实际上已非纯白色，但惯性告诉我们它是「白色物体」，作为摄影师，必须要知道「白色物体」在偏色的光源下已偏了色，要进行白色平衡的矫正才能得出真正的白色。

原色、混合色与补色

色彩可以分为原色(Primary Colour)及混合色，原色一般指色光三原色，即是红光、绿光及蓝光，简称RGB，即是红(Red)、绿(Green)及蓝(Blue)三色的英文简称，它们是人类对色彩认知的最基本颜色，不单最常用，而且利用它们可以混合出其他色光。至于混合色，顾名思义，是可以用两种或以上的色光混合而成的颜色，例如黄光，便是以红光及绿光混成；青光便是由蓝光及绿光混成，所以便称为混合色光。

色光三原色――RGB

所有可以用其他色光混成的色光，都是混合色，只有三原色的色光不能由其他色光混成，它们是红(Red)、绿(Green)及蓝(Blue)，简称RGB，当相同密度的三原色光混合在一起时，便可以产生纯白的光。如要实验，可利用三个相同的白色光源分别加上三原色透光片，令它们可以投射出RGB三原色光，并投射向同一位置，三种色光共同照射的位置便会显现白色。由于用红光(R)与绿光(G)混合便产生黄光(Y)；红光(R)与蓝光(B)混合便产生洋红色，蓝光(B)与绿光(G)混合便会得出青光(C)，因此，若青光(C)、黄光(Y)及洋红(M)三种色光混在一起，也会产生白色。

进一步说，利用红光(R)及青光(C)两种光混合，也可以产生白光，原因是青光分别是由蓝光及绿光混成，红色光混合青色光，便等于红、蓝、绿三种色光混在一起，所以便成了白色。如此类推，绿加洋红(Magenta)或蓝加黄(Yellow)也一样可以得出白色光。因此，以上的红(R)青(C)、蓝(B)黄(Y)及绿(G)洋红(Y)三对色彩，称作互补色(Complementary Colour)。每一对互补色均有最高的色相对比(Contrast ofHue)，对色彩视觉有最大的刺激，可以营造出十分悦目及活跃的画面气氛，因为摄影师可以因应需要利用高色相反差来制造刺激的画面，反之，若想影像看来略为和谐，则要避免色相的强烈相比。

色彩都有意义？

由于色彩其实是不同波长的电磁波，投射到物体上再反射出来，让我们可以看到千变万化的色彩，因此，物体的色彩会随着光源光波组成的不同和物体的反光情况而有所改变，所以色彩本身并无特别的意义，意义来自反映它们的物体或它们出现的环境，由于人类是主观的动物，对于任何东西均可以联想出延伸的意义，在这个层面上来说，色彩也就被赋予了意义，但这一种意义实质上只是我们主观的感觉。

色彩的冲突与和谐

虽然早期的摄影家或科学家努力研究摄制彩色照片的方法，其实旨在记录及重演真实世界的色彩，但随着色彩摄影科技的成熟，彩色在摄影艺术上的角色不再仅是重现世间的色彩，而变为艺术家艺术表现的一种手段，摄影不再仅是利用彩色菲林记录色彩，而且利用色彩作为表现的手法、表达的工具。不同的艺术家利用浓淡不同的色彩表现不同的情绪，利用色彩之间的冲突，强调影像间的矛盾或凸显主体，又可以利用和谐的色彩展现色彩影像的美感，抒发艺术家的感情。

其实，色彩本身是抽象的，色与色之间的「和谐」和「冲突」其实是指色与色之间在色相中的位置和关系，以画面中色与色之间的变化是突变的，抑或利用了担当「桥梁」的过渡色彩使画面中的色彩变化显得自然。当然，当中涉及配合的时间，重视彩色摄影艺术的摄影师可以十分讲究，但对纪实摄影师而言亦可以不当作一回事。

生活中和谐的色彩，以和谐的色彩组成的画面往往能令人有一种舒服的感觉，要获得这一种「和谐」必须注意过渡色彩的巧妙运用，为主色与另一主色之间加上过渡色作「桥梁」，降低两主色之间的冲突，画面看来便「和谐」了。比较常用的方法，便是把同一色调；不同亮度或饱和度的色彩作渐次的配搭，由浅到深，由浓至淡，便会产生和谐的感觉。一般来说，以同一色调拍摄的画面，某程度上是较为讨好的。

另外，也可以利用色相的渐变令色彩的变化显得先后有序，也可以令画面的色彩显得和谐。但当这些过渡色彩阶段变化不存在时，两种或以上的强烈的色彩连接出现时，画面便显得硬了一点，甚至可以说是一种「冲突」，但这一种色彩的「冲突」并非一件坏事，有一些题材往往要靠色彩的「冲突」来加强它的冲击力，以表现一种紧张或幻想的对比。

色彩的冷暖与动静

除了要注意画面中的色彩和谐与冲突所造成的视觉心理效果外，更多人谈及的是色彩心理问题，相信就是色调的冷暖问题了。红色、橙色、黄色等，光波较长的颜色属于「暖」的色调，它来自火光，给人温暖、热情及活动的感觉，当中尤以鲜红色为甚，其刺激能力能使人感到紧张或情绪不安，所以暖色调不宜用以表现太静态的题材；反之，绿、青、蓝等色却予人一种较静的感觉，使人看了产生冷静及安定的情绪，所以被称作冷色调，例如冰雪的蓝调。

当然，这种色彩的冷暖只是人类主观的情绪反应，并非绝对的准确，因为人类对色的理解亦会因此不同的文化背景及个人背景而有所影响，但大致上来说，要借助色彩给予人的力量，而加强自己作品意念的表达力，必须依从大众对色彩的主观理解。